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[EM VI] 청년작가 교류전 소개 및 연구_작품을 만든다는 것

[EM VI] 청년작가 교류전 작가소개 및 연구_ 작품을 만든다는 것

민하림 / 이은정 / 모미따 다스 / 드비야 빤디안 / 하리스 오차


청년작가란 과연 어떤 이들을 뜻하는 것일까요? 그 단어의 어원을 생각해보기 이전에 우리가 그동안 바라보았던 예술이 무엇인지 떠올려봅니다. 끝없는 역사 속에서 우리는 과거의 거장들을 통해, 지금 우리가 보고 있는 많은 것들에 익숙해지고 있습니다. 미켈란젤로의 천지창조에서 손가락을 마주하려던 창조주와 아담, 다빈치의 모나리자는 이제 TV광고에서 살아 움직이고 별이 빛나는 밤하늘과 고흐의 얼굴은 모르는 사람이 없을 것입니다.

당연히 이들에게도 청년 시기는 있었을 것이며 그 모든 순간이 다 순탄했다고 말하기는 어려울 것입니다. 이들의 그 모든 업적들은 어쩌면 청년의 시기, 새로운 무엇인가를 발견하고 찾아내는 시도들이 있어서 가능한 것이었고, 반대로 그렇게 선구자가 되는 모든 과정을 당대의 사람들이 온전히 다 이해하지는 못했을 것이라 생각해 봅니다. 어떤 고통의 시간들이 온전히 청년 세대만의 전유물이라고 할 수는 없지만, 말할 것도 없이 고흐는 고독한 삶 안에 스스로를 가두었으며, 미켈란젤로나 다빈치 또한 후원가문과 사회 분위기에 갈등하며 인정받지 못한 시도들도 무수히 많았습니다.


본 인도박물관과 참여 큐레이터들은 그런 과정에 있어 청년 세대가 가진 시선과 시도를 중요시 여깁니다. 그래서 저희는 작품에 어떤 평가를 내리기 전, 그 작품이 나오기까지의 시선과 입장에 대해 많은 고민을 해봅니다. 어떤 창작품이 나오기까지의 과정들은 결코 쉽지 않으며 또한 세상의 잣대에서 자신의 의도와 결과가 다를 수도 있음을 생각해 보았을 때, 먼 미래에 대한 기대치보다 지금 당장의 치열함을 관객들에게 제시하고 싶습니다.

다시, 현대 사회 미디어가 발달하면서 우리는 수많은 대가들의 마스터피스(Masterpiece)들과 상생하며 완성된 이야기, 업적들에 익숙해져 있습니다. 그러한 시대에서 본 교류전은 익숙함보다 새로움, 과거보다 지금에 대한 이야기를 해야 한다 생각합니다. 지금 진행되고 있는 한 순간, 그리고 우리에게 다가오는 미래에 대한 관점을 청년작가들의 시선을 통해 느껴볼 수 있습니다.


part3. 작품을 만든다는 것


미디어가 발달함에 따라 다양한 분야와 매체를 통해 무수한 창작자들이 나오는 현대입니다. 어떤 이미지든 우리는 인터넷을 통해 너무나도 쉽고 빠르게 보고 느낄 수 있으며, 근래 유튜브 크리에이터라는 단어나 SNS 등을 바탕으로 1인 미디어 시대라는 표현이 낯설지 않다는 것은 창작의 범주가 그만큼 넓어졌다는 것을 의미합니다. 물론 크리에이터와 아티스트는 어떤 목적성에서는 분명 다른 지점이 있습니다만, 그럼에도 한정된 관객들에게 비주얼과 메시지를 전달한다는 방식은 대다수 통용되는 지점이 있습니다. 이는 결국 창작을 하고 대중에게 선보이는 것도 일종의 경쟁 체계에 들어있는 것은 아닐까 생각해 보게끔 합니다.

혹자는 ‘이미지 과잉의 시기’라고도 불리는 지금 시대, 예술가들은 다양한 측면에서 독창성 혹은 활동성을 염두 하지 않으면 안되는 지점 또한 존재합니다. 예술계라는 것을 개인의 창작을 넘어 대중과 같이 호흡하고 사회 내부에서 상호 반응을 보여야 한다는 전제 하에 많은 예술가들이 오늘도 많은 고민과 시도를 하고 있습니다.



민하림_ On The Pink / Made In Pink

130.3 x 162.2cm, 캔버스에 유화 (Oil on canvas), 2019 /

130.3 x 130.3cm, 캔버스에 유화 (Oil on canvas), 2019


작가는 다른 장소에서 파생되는 새로움과 이질감을 작품 속에 담는다. 특히, 주요 작품 소재가 되는 바다는 도시

인에게 일상의 해방과 장소적 독특성을 주는데, 출렁이는 파도와 반짝거리는 수면은 새로운 시각형태로 도시와는 다른 자연의 초월적 감각을 지닌다. 이를 통해 우리는 일상을 벗어나 새로운 시선으로 세상을 바라보는 일탈적 시각을 작동시킨다.


민하림 작가의 작업은 현대 청년작가들의 한 경향을 잘 보여주고 있다 생각합니다. 그녀의 작품은 직접을 넘어 노골적으로 관객들에게 몽환적인 세계를 보여줍니다. 이미지나 색상의 선택 및 표현은 작품이 스스로 관객들에게 자신을 보라 유혹하는 듯 합니다. 작품의 채색은 전반적으로 유화를 얇게 사용하는 방식을 택하였는데, 이것은 근래 젊은 예술가들에게 자주 보이는 한 방식입니다. 우리가 알고 있는 유화의 고전적이고 두터운 마티에르(질감)에서 벗어나, 상당히 얇게 프린팅 한 듯 그려냅니다. 모든 화풍은 장단점이 있고, 이러한 방식은 대형 그림을 그리는데 부담감을 많이 덜어주며 물리적인 생산속도 향상으로 작업 속도를 늘려주는 효과가 있습니다. 동시에 기존의 유화 하면 떠오르는 어떤 중압감 및 무게감과는 반대로 가볍고 산뜻한 느낌을 만들어내기도 하는데, 이는 다시 근래 미디어의 발달로 너무 많은 이미지를 보게 되는 현대인들의 취향에 맞춰가는 것일지도 모릅니다.



이은정_ 세 개의 섬 / 쏟아져 내리는

60.6 x 90.9cm, 캔버스에 아크릴, 자수(Acrylic, Embroidery on canvas), 2018 /

60.6 x 90.9cm, 캔버스에 아크릴, 자수(Acrylic, Embroidery on canvas), 2018


작가는 주요 작업 재료인 실을 통해 캔버스에 ‘또 다른 세상’을 구축해간다. 이를 위해 주변의 낯선 풍경이나 자연에서 영감을 얻은 이미지를 수집하고, 이러한 형상들을 조합함으로써 공간을 재창조한다. 이 공간들은 어딘가에 있거나 혹은 있을법한 공간들로 관객에게 편안함과 낯선 감정을 동시에 불러일으킨다. 작가는 이를 표현하고자 다양한 질감의 실을 사용하고 따뜻한 실의 감촉을 통해 삶을 향한 따스한 메시지를 전달한다.




모미따 다스(Moumita Das)_ Wounded Form

152.4 x 63.5 cm, Thread, 2019


섬유 예술을 전공한 작가는 염색, 직조, 천 드로잉 등을 자유롭게 구사하며, 작품의 주재료로 직물을 사용한다. 작가의 직물이 주는 풍성함과 관능미 그리고 가변성은 작품의 시각적 가능성을 열어주고 관객과 유기적으로 교우한다. 특히, 작품의 추상적인 형태를 통해 사물의 내적인 미를 고찰하는데, 보기에 아름답지 않은 작가의 작품도 미적 예술품이 될 수 있는지 관객을 향해 질문을 던진다.


작품이 관객들에게 어떤 감정을 전달하기 위해서는 ‘무엇을’ 그리는가 못지않게 ‘무엇으로’ 그리는가 또한 중요할 것입니다. 이은정 작가의 경우 마찬가지로 지향하는 분위기를 위해서 물감보다 더욱 효과 있는 재료를 고민했을 것입니다. 낯익고 따뜻하면서도 자신의 이상적 풍경을 위해 실을 택하였습니다. 고운 자수를 보는 것처럼 그녀의 작품도 관객에게 우아하고 품위있는 풍경을 선사합니다. 이 과정에서 우리가 무릉도원이라고 부르기도 하는 이상적 풍경을 제안하며 전통에 기반하는 정서를 자극하기도 합니다. 마찬가지로 모미따 다스의 경우에도 실과 같은 직물을 사용합니다. 그녀의 작품 역시 직물과 섬유가 물리적으로 부풀고 형상화 되는 지점을 관객에게 선보이는데, 이는 우리가 쉽게 ‘추상’라고 알려져 있는, 감각과 느낌 그 자체에 더욱 집중하는 방식을 면직물을 통해 구현한 것입니다. 더욱이 재료 본연의 특성상 뜨개질이라는 느낌이 가진 따뜻함은 관객들에게 낯익은 한 감각을 선물합니다. 참고로 인도는 역사적으로 우수한 면직물을 자랑하여, 한때는 전 세계 사람들의 3분의 2가 인도산 면직물을 입었다는 이야기가 있을 정도로 관련된 역사가 깊습니다. 그 유명한 간디의 물레 또한 관련이 없다고 할 수는 없을 것입니다.




하리스 오차(Harish Ojha)_Mute Field

63.5 x 124 x 7.5 cm, Archival paper (300 GSM) on board, 2019


시골 농부의 가정에서 자란 작가는 대지의 유기적 원천이 되는 목화나 종이를 작품의 재료로 택하고, 자신이 경험한 농사의 모티브를 미적인 작품으로 승화한다. 특히 유연하고 얇은 직물을 통해 대지의 거칠고 불균형적인 표면을 촉각적으로 구현하여 예술작품을 농경문화나 원시적인 활동으로 집결시킨다.


하리스 오차의 경우에는 순수한 추상작가라 할 수 있을 것입니다. 거칠고 구멍 투성이의 평면을 구현하여 그것이 질감적으로 주는 표현력은 자연의 일부처럼 보이기도 합니다. 직접적으로 이야기를 제시하지 않지만 그의 작품이 내뿜는 느낌으로 인해 관객은 어떤 식으로든 ‘본능이 불러일으키는 감각’을 떠올릴 수 있을 것이며, 그것은 추상이 가지는 기본기에 충실했다 할 수 있습니다.



드비야 빤디안(Divya Pandian)_Behind the Canvas

89.9 x 89.9 cm, Oil on canvas, 2018


현세와 내세에 대한 사유는 작가의 내적 일부분으로 존재하는 작품에 그대로 나타난다. 특히 작가는 자신의 취약한 면모를 작품을 통해 구현하는데, 캔버스 뒷면을 먼저와 거미줄로 뒤덮인 형태로 그려내어 내면의 혼란과 치부를 드러낸다. 한편, 작가의 투명하고 세밀한 화법은 관객에게 착시효과를 주어 실재 캔버스인지 캔버스를 그린 회화인지 혼동시키며, 이를 통해 무엇이 진실이고 거짓인지 우리에게 질문을 던진다.

마지막으로 드비야 빤디안의 작업을 통해 현대 예술이 가진 한 특성을 소개합니다. 그녀가 그리는 것은 캔버스 위에 캔버스 뒷면을 그려내는 것입니다. 일명 ‘보이지 않는 영역을 보이게끔’ 하는 것인데요. 사실 이렇게 보이지 않는 측면을 다루고자 하는 것은 예술계에서 상당히 흔한 일 중에 하나입니다. 하다못해 주제나 재료라도 미처 의식하지 못하던 것을 다뤄 새로움을 제시하는 것은 상당히 역사적인 일이며 그러한 시도는 근대, 빠르면 르네상스 시대부터 많은 예술가들에 의해 시도되어 왔습니다. 자칫 가벼운 장난처럼 보이는 이러한 접근들이 모이고 쌓이면 큰 변화를 촉구하기도 합니다. 그리하여 근현대 예술계에서도 여성 예술가의 권위신장이나(뉴욕 게릴라 걸즈), 예술계의 갑을 관계를 바로 잡으려는 시도(표준 계약서 성립) 등 다양한 운동으로 확대되고는 합니다. 그리고 다시, 이런 큰 움직임이 있으려면 우리는 늘 낯설음을 발견하려는 시도를 해야하며 그런 의미에서 그녀의 작품은 한 사례라고 할 수 있을 것입니다.




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